Annibale Carracci biografia stile e opere del pittore

Nato a Bologna nel 1560 da una famiglia di origine cremonese, Annibale Carracci, figlio di Antonio Carracci, apprese l’arte della pittura da suo cugino Ludovico e quello di stamperia dal fratello Agostino (1557-1602). Alcuni dei suoi primi ritratti non datati e soggetti di genere suggeriscono che potrebbe essersi formato anche con Bartolomeo Passarotti (1529-1592).

I suoi primi dipinti della Crocifissione (1583, Pinacoteca Nazionale, Bologna) e il Battesimo (1585, San Gregorio, Bologna) indicano che i suoi anni formativi furono dedicati anche allo studio di altri maestri del nord e del centro Italia. Tra la fine degli anni ’70 e l’inizio degli anni ’80, Annibale deve aver intrapreso il viaggio di studio citato dal suo biografo Carlo Cesare Malvasia. Lettere del 1580, apparentemente autentiche (contestate da alcuni storici), dimostrano che in quell’anno era a Parma a copiare affreschi del Correggio nella cupola del Duomo. L’influenza del suo viaggio nella provincia di Parma appare nei cicli di affreschi del 1584, Storia di Giasone e dell’Eneide, nel Palazzo Fava, a Bologna, dipinti in collaborazione con suo fratello e suo cugino. Deve aver viaggiato anche in Toscana, forse nelle Marche, e a Venezia, poiché le influenze di queste regioni sono evidenti nelle opere create in quegli anni.

Intorno al 1582 i Carracci formarono un’accademia, l’Accademia degli Incamminati, per insegnare le loro innovative teorie artistiche. Nella loro arte si ribellarono agli stili manierati dei loro contemporanei e presero come programma uno studio approfondito della natura combinato con uno studio degli artisti precedenti. Credevano che questo regime avrebbe rinnovato l’arte e avrebbe formato uno stile universale. Sulla base di queste teorie, i tre Carracci raggiunsero uno stile comune in quegli anni. Alla domanda su chi ha dipinto il capolavoro della Storia della Fondazione di Roma a Palazzo Magnani, Bologna (1592), hanno risposto “È da tutti noi, i Carracci”. In effetti, le loro mani individuali nei primi anni sono spesso difficili da distinguere.

Agli inizi del 1590 lo stile Carracci aveva guadagnato loro una meritata reputazione di originalità. I pittori principianti scelgono di studiare nella loro accademia piuttosto che con i pittori manieristi bolognesi. I loro capolavori a Palazzo Fava e Palazzo Magnani portarono loro numerose commissioni e lodi. Il loro lavoro giunse all’attenzione della potente famiglia Farnese, e Annibale partì per Roma nel 1595 per lavorare per il cardinale Odoardo Farnese.

Dal 1595 al 1597 Annibale dipinse il soffitto del Camerino nel Palazzo Farnese a Roma, seguito dalla commissione per la Galleria del Palazzo Farnese, dal cardinale Odoardo Farnese, su cui lavorò con l’aiuto del fratello Agostino dal 1597 al 1600. Prendendo come punto di partenza il soffitto della Cappella Sistina di Michelangelo, l’affresco di Annibale unisce la sua predilezione per il trompe l’oeil con le forme altamente idealizzate della scultura classica e della pittura rinascimentale. Quadri dipinti a olio si sovrappongono l’un l’altro come medaglie fittizie dipinte e la scultura li tiene in posizione. Le pareti della stanza furono completate verso il 1603/4 su disegni di Annibale dai suoi studenti Domenichino (1581-1641), Lanfranco (1582-1647), e Badalocchio (1585-dopo il 1620). La Galleria divenne il dipinto a soffitto più influente del diciassettesimo secolo, ed fu una tappa obbligata per viaggiatori amanti dell’arte e artisti in visita a Roma per i successivi duecento anni.

Contrasto con Caravaggio

Il critico del XVII secolo, Giovanni Bellori, nel suo scritto intitolato Idea, lodò Carracci come esempio dei pittori italiani, poiché aveva promosso un “rinascimento” della grande tradizione di Raffaello e Michelangelo. D’altra parte, mentre ammetteva il talento di Caravaggio come pittore, Bellori deplorava il suo stile troppo naturalistico, se non la sua turbolenta morale e personalità. Così ha visto gli stili dei Caravaggisti con lo stesso cupo sgomento. I pittori furono invitati a rappresentare l’ideale platonico della bellezza, non gli ambulanti romani. Eppure i mecenati e gli allievi di Carracci e Caravaggio non rientrano tutti in campi inconciliabili.

Nel nostro secolo, gli osservatori si sono molto interrogati sul mito ribelle di Caravaggio, e spesso ignorano la profonda influenza sull’arte che Carracci ha avuto. Caravaggio non ha quasi mai lavorato in affresco, che veniva invece considerato come la prova di coraggio di un grande pittore. D’altra parte, le migliori opere di Carracci sono in affresco. Così le tetre tele del Caravaggio, con sfondi ben illuminati, sono adatte agli altari contemplativi, e non a pareti o soffitti ben illuminati come quelli dipinti per i Farnese. Wittkower era sorpreso che il cardinal Farnese si circondasse di affreschi di temi libidinosi, indicativi di un “considerevole allentamento della morale controriforme”. Questa scelta tematica suggerisce che Carracci potrebbe essere stato più ribelle rispetto alla solenne passione religiosa delle tele di Caravaggio.

Oggi, sfortunatamente, la maggior parte degli intenditori che fanno il pellegrinaggio alla Cappella Cerasi di Santa Maria del Popolo ignorano la pala d’altare dell’Assunzione della Vergine di Carracci (1600-1601) e si concentrano sulle affascinanti opere di Caravaggio. È istruttivo confrontare l’Assunzione di Carracci con la morte della Vergine di Caravaggio. Tra i primi contemporanei, Carracci sarebbe stato un innovatore. Ha rianimato il vocabolario dell’affresco visivo di Michelangelo, e ha posto un paesaggio pittorico muscoloso e vivacemente brillante, che era diventato progressivamente paralizzato in un groviglio manierista. Mentre Michelangelo poteva piegare e contorcere il corpo in tutte le possibili prospettive, Carracci negli affreschi di palazzo Farnese aveva mostrato come il corpo poteva danzare. Il “soffitto” – le frontiere, le ampie distese di mura da affrescare sarebbero, per i prossimi decenni, affollate dalla monumentale brillantezza dei seguaci dei Carracci, e non dei seguaci di Caravaggio. Nel secolo successivo, non furono gli ammiratori di Caravaggio a licenziare Carracci, ma in misura minore rispetto a Bernini e Cortona, l’arte barocca in generale fu oggetto di critiche da parte di critici neoclassici come Winckelmann e anche più tardi dal prudente John Ruskin. Carracci in parte fu risparmiato perché era visto come un emulatore dell’ammirabile Raffaello, e negli affreschi dei Farnese fu attento ai temi propri come quelli della mitologia antica.

Le opere di Annibale Carracci

La tradizione della pittura rinascimentale italiana e gli artisti del Rinascimento come Raffaello, Michelangelo, Correggio, Tiziano e Veronese sono tutti pittori che hanno avuto un’influenza considerevole sull’opera del Carracci, nel suo uso dei colori. Carracci pose le basi per la nascita della pittura barocca. Lo stile sterile manierista precedente ha avuto il suo recupero ora nella pittura barocca nei primi anni del XVI secolo, riuscendo in una originale sintesi delle molte scuole. I dipinti di Annibale sono ispirati al gusto pittorico veneziano e in particolare ai dipinti di Paolo Veronese. L’opera che ne mostra le tracce è la Madonna in trono con San Matteo,  ora nella Gemäldegalerie, a Dresda, e il Matrimonio mistico di Santa Caterina d’Alessandria (1575 ca.), ora conservato presso le Gallerie dell’Accademia di Venezia. Ancora il bellissimo Battesimo di Cristo visibile nella Chiesa dei Santi Gregorio e Siro a Bologna. Ercole al bivio Museo nazionale di Capodimonte, Napoli.

Lo stile di Annibale Carracci

Ci sono cambiamenti marcati nell’evoluzione dello stile di Carracci, ma alcune caratteristiche fondamentali persistono su tutti i suoi lavori: un’enfasi sul naturalismo, colori ricchi, un appello alle emozioni e ciò che è stato descritto come un idealismo eroico.

Annibale Carracci, come Leonardo da Vinci, era il tipo di artista che non posò mai la matita. Sembra che abbia abbozzato costantemente, sempre e ovunque.

I disegni di Carracci rivelano una molteplicità di soggetti più comuni e banali: un ragazzo che tira su i calzini, un apprendista che abbozza nella sua camicia da notte, una donna e un gatto che si scaldano davanti a un fuoco. I disegni preparatori dell’artista per i suoi dipinti commissionati erano ugualmente abbondanti. Questi disegni costituiscono un affascinante mole di lavoro per la loro notevole libertà e fluidità di espressione, qualità che a volte manca nei suoi dipinti più formali.

Carracci non solo ha riformato lo stile della pittura italiana, ma ha anche introdotto nuovi soggetti nel repertorio. I dipinti di Carracci, che vanno da scene di genere a paesaggi, a soffitti affrescati e pale d’altare costituiscono alcune delle opere più belle e più variate di ogni artista.

Tecniche di Annibale Carracci

1 ) Studio di vita: Annibale Carracci fu rivoluzionario per la sua insistenza sull’osservazione diretta della natura.

2 ) Disegni: più di ogni altro artista, Annibale Carracci amava disegnare. Sembra che fosse il tipo di artista che disegnava costantemente, sempre e ovunque.

3 ) Affreschi: a differenza di Caravaggio, Carracci era felice di eseguire degli affreschi e questo ha finito per essere la chiave dell’eventuale dominio del suo stile in Italia.

Chi ha influenzato lo stile di Carracci

Lo stile di Annibale Carracci è stato a lungo descritto (e deriso) come eclettico e non fece nulla per incorporare i suoi elementi preferiti di altri artisti nelle sue opere.

Oggi, tuttavia, gli storici dell’arte riconoscono che i dipinti di Carracci non sono ricavati da capolavori del passato, ma opere eleganti e sofisticate che portano l’influenza dei maestri del passato, pur evidenziando uno stile tutto proprio.

Bartolomeo Passerotti
Il primo insegnante d’arte di Annibale Carracci è stato un pittore bolognese di successo della scuola manierista che sarebbe diventato un fedele critico dello stile innovativo e naturalista di Carracci. Sebbene lo studente abbia preso una strada molto diversa dal maestro, Passerotti ha comunque esercitato un’influenza innegabile su Carracci

Passerotti è stato uno dei primi artisti italiani ad adottare materie popolari nell’arte settentrionale, in particolare la pittura ridicola. Questo tipo di pittura raffigurava soggetti in modo umoristico, persino burlesco.

Attenzione ai dettagli: Passerotti era un appassionato di natura; un frequente visitatore del museo naturalistico locale e aveva persino una sua collezione di esemplari. Questo interesse scientifico si manifesta nell’attenta attenzione ai dettagli spesso presenti nei suoi dipinti.

Probabilmente Carracci fu contagiato da questo interesse per il naturalismo almeno in parte dal suo maestro, sebbene spingesse molto più lontano il naturalismo nella sua pittura.

Antonio da Correggio
Carracci si innamorò di questo maestro del Rinascimento italiano durante un viaggio giovanile a Parma negli anni ’80 del Cinquecento. La luce dorata, il morbido sfumato, i colori intensi e la dolcezza del Correggio hanno fatto una grande impressione sul giovane artista e hanno contribuito a plasmare lo stile maturo di Carracci.

Pittura veneziana
Appena dopo aver visitato Parma Carracci si trasferì a Venezia per unirsi al fratello maggiore Agostino. Qui, il giovane artista è stato esposto ai capolavori di Tiziano, Giorgione, Veronese e Tintoretto. Questi artisti hanno avuto un’influenza determinante sullo sviluppo dell’arte di Carracci.

Da loro, ha imparato ad usare colori intensi, effetti di luce drammatici e la rappresentazione di tessuti ricchi.

Michelangelo
A Roma, Carracci imparò dalla lezione di Michelangelo nella Cappella Sistina in preparazione della sua decorazione della Galleria Farnese. Gli affreschi di Farnese esibiscono la stessa classicità e giocano con l’illusionismo come nel soffitto di Michelangelo.

Raffaello
Già nei suoi primi lavori un’influenza è evidente. La composizione di Carracci fu ispirata da un’incisione del Sacrificio di Noè di Raffaello dal Logge in Vaticano.

L’ammirazione di Carracci per Raffaello fu così grande, che chiese di essere sepolto accanto all’artista nel Pantheon dopo la sua morte.

La salute e la morte

Annibale subì un declino della salute intorno al 1605, causato in parte dal modo in cui lavorava e anche dalla sua costante malinconia. Le lunghe e intense fatiche di Annibale a Palazzo Farnese erano state malamente sottopagate dal cardinale Farnese e il pittore non si era mai completamente ripreso dall’ingratitudine del suo protettore. Tuttavia, fu ancora in grado di produrre disegni per la Cappella Herrara (1604-1606), che furono eseguiti dai suoi studenti e di completare diverse incisioni importanti. I paesaggi a lunetta che Annibale dipinse per il Palazzo Aldobrandini, in particolare la Fuga in Egitto e la Deposizione (entrambi verso il 1604), si rivelarono importanti nella successiva evoluzione del paesaggio eroico dipinto a Roma dal Domenichino e da Nicolas Poussin .

La morte di Annibale a Roma nel 1609 pose fine a una carriera che attraversò i tre decenni più rivoluzionari della pittura italiana dal Rinascimento. Il suo stile naturalistico del 1580 divenne la base per una delle principali tendenze dell’arte del XVII secolo. Inoltre elevò sia il genere che i soggetti del paesaggio ad un nuovo status indipendente nell’arte, e l’esecuzione libera e senza restrizioni delle incisioni del XVII secolo dipendono più dalle incursioni di Annibale nel medium che da qualsiasi altro artista. Le sue opere furono raccolte nel diciassettesimo e diciottesimo secolo in Italia e in Francia.