Arte naïve

L’arte naïve è solitamente definita come arte visiva creata da una persona a cui manca l’istruzione e la formazione che un artista professionista apprende. Quando questa estetica è emulata da un artista esperto, il risultato è talvolta chiamato primitivismo, l’arte pseudo-naif, o arte finto ingenua.

A differenza dell’arte popolare, l’arte naïve non deriva necessariamente da un contesto o una tradizione culturale popolare distinta; in effetti, almeno nelle economie avanzate e dopo la Rivoluzione della Stampa, la consapevolezza della tradizione artistica locale è stata inevitabile, poiché si è diffusa attraverso le stampe popolari e altri media. Gli artisti naïve sono consapevoli delle convenzioni delle “belle arti” come la prospettiva grafica e le convenzioni compositive, ma non sono in grado di usarle appieno, o scelgono di non farlo. Al contrario, outsider art denota opere provenienti da un contesto simile ma che hanno solo un contatto minimo con il mondo dell’arte tradizionale.

L’arte naïve è riconosciuta, e spesso imitata, per la sua semplicità e franchezza infantile. I dipinti di questo tipo hanno tipicamente uno stile di rendering piatto con un’espressione rudimentale di prospettiva. Un pittore particolarmente influente di “arte naïve” fu Henri Rousseau (1844–1910), un post-impressionista francese scoperto da Pablo Picasso.

La definizione del termine, e i suoi “confini” con termini vicini come arte popolare e arte out, è stata oggetto di alcune controversie. L’arte naïve è un termine usato solitamente per le forme di belle arti, come dipinti e sculture, ma realizzato da un artista autodidatta, mentre gli oggetti con un uso pratico rientrano nell’arte popolare. Ma questa distinzione è stata contestata. Un altro termine che può essere usato, specialmente per dipinti e architettura, è “provinciale”, usato essenzialmente per il lavoro di artisti che avevano ricevuto una formazione convenzionale, ma il cui lavoro non è intenzionalmente al di sotto degli standard metropolitani o di corte.

L’arte naïve è spesso vista come un’arte estranea, cioè da qualcuno senza formazione o laurea formale (o scarsa). Mentre questo era vero prima del XX secolo, ora ci sono accademie per l’arte naive. L’arte naïve è ora un genere artistico pienamente riconosciuto, rappresentato nelle gallerie d’arte di tutto il mondo.

Le caratteristiche dell’arte naif sono un rapporto scomodo con le qualità formali della pittura, soprattutto non rispettando le tre regole della prospettiva (come definite dai pittori progressisti del Rinascimento)

• Diminuzione delle dimensioni degli oggetti proporzionalmente alla distanza,
• Limitazione dei colori con la distanza,
• Diminuzione della precisione dei dettagli con la distanza,
• I risultati sono:

1. Effetti della prospettiva geometricamente errata (aspetto delle opere, aspetto dei disegni dei bambini o aspetto della pittura medievale, ma il confronto si ferma qui)
2. Forte uso del motivo, colore grezzo su tutti i piani della composizione, senza indebolimento sullo sfondo
3. Una pari accuratezza portata ai dettagli, compresi quelli dello sfondo che dovrebbero essere ombreggiati.
4. La semplicità piuttosto che la sottigliezza sono tutti presunti segni di arte naive. Tuttavia, è diventato uno stile così popolare e riconoscibile che molti esempi potrebbero essere definiti pseudo-naïve.

Mentre l’arte naïve descrive idealmente il lavoro di un artista che non ha ricevuto un’istruzione formale in una scuola d’arte o in un’accademia, ad esempio Henri Rousseau o Alfred Wallis, l’arte ‘pseudo naïve’ o ‘finto naïve’ descrive il lavoro di un artista che lavora in un modalità più imitativa o autocosciente e il cui lavoro può essere visto come più imitativo che originale.

E’ improbabile che si trovino artisti contemporanei, data l’espansione degli autodidatti come forma di educazione nei tempi moderni. Le categorizzazioni naive non sono sempre benvenute dagli artisti, ma è probabile che questo cambi quando i segnali sono noti. I musei dedicati all’arte naïve ora esistono a Kecskemét, in Ungheria; Riga, Lettonia; Jaen, Spagna; Rio de Janeiro, Brasile; Vicq Francia e Parigi. Esempi di artisti di lingua inglese che riconoscono il loro stile naive sono: Gary Bunt, Lyle Carbajal, Gabe Langholtz, Gigi Mills, Barbara Olsen, Paine Proffitt, e Alain Thomas.

“Arte primitiva” è un altro termine spesso applicato all’arte da coloro che non hanno una formazione completa, ma storicamente è più spesso applicato al lavoro di certe culture che sono state giudicate socialmente o tecnologicamente “primitive” dal mondo accademico occidentale, come i nativi americani, gli africani subsahariani o Arte delle isole del Pacifico. Questo si distingue dal autocosciente, “primitivo” movimento ispirato il primitivismo. Un altro termine correlato arte naïve è arte popolare.

Esistono anche i termini “naïvismo” e ” primitivismo ” che di solito vengono applicati ai pittori professionisti che lavorano nello stile dell’arte naif (come Paul Gauguin , Mikhail Larionov , Paul Klee ).

Nessuno sa con esattezza quando sono comparsi sulla scena i primi artisti naive, dalle primissime manifestazioni d’arte fino ai giorni del “Classico moderno”, vari artisti ci hanno lasciato inconsciamente segni inconfondibili della loro attività creativa. In ogni caso, si può considerare che l’arte naive abbia occupato una posizione “ufficiale” negli annali dell’arte del ventesimo secolo dopo – al più tardi – la pubblicazione del Der Blaue Reiter, un almanacco del 1912. Wassily Kandinsky e Franz Marc, che ha pubblicato l’almanacco, ha presentato 6 riproduzioni di dipinti di le Douanier ‘Rousseau, confrontandoli con altri esempi pittorici. Tuttavia, la maggior parte degli esperti concorda sul fatto che l’anno in cui l’arte naive fu “scoperta” fu il 1885, quando il pittore Paul Signac venne a conoscenza del talento di Henri Rousseau e iniziò a organizzare mostre del suo lavoro in numerose prestigiose gallerie.

Earth Group

Il gruppo Earth era composto da artisti, architetti e intellettuali croati attivi a Zagabria dal 1929 al 1935. Il gruppo era di orientamento marxista ed era in parte modellato sulla “Neue Sachlichkeit “, che porta a forme più stilizzate della pittura naif. Il gruppo comprendeva i pittori Krsto Hegedušić, Edo Kovačević, Omer Mujadžić, Kamilo Ružička, Ivan Tabaković e Oton Postružnik, gli scultori Antun Augustinčić, Frano Kršinić e l’architetto Drago Ibler. Il gruppo della Terra ha cercato risposte a questioni sociali. Il loro programma ha sottolineato l’importanza dell’espressione creativa indipendente e si è opposto alla copia acritica di stili stranieri. Piuttosto che produrre arte per l’arte, hanno ritenuto che dovesse riflettere la realtà della vita e le esigenze della comunità moderna. Le attività alle mostre del gruppo erano sempre più provocatorie per il governo dell’epoca e nel 1935 il gruppo fu bandito.

Hlebine School

Un termine applicato ai pittori naif croati che lavoravano nel villaggio di Hlebine, vicino al confine ungherese, o intorno ad esso, dal 1930 circa. In questo momento, secondo la World Encyclopedia of Naive Art (1984), il villaggio era poco più di poche strade tortuose e fangose ​​e case a un piano, ma ha prodotto un così notevole raccolto di artisti che è diventato praticamente sinonimo di pittura naive in jugoslava.

Hlebine è un piccolo e pittoresco comune nel nord della Croazia che negli anni ’20 divenne un ambiente contro il quale un gruppo di contadini autodidatti iniziò a sviluppare uno stile pittorico unico e un po’ rivoluzionario. Questo fu istigato dai principali intellettuali dell’epoca come il poeta Antun Gustav Matoš e il più grande nome della letteratura croata, Miroslav Krleža, che chiedevano uno stile artistico nazionale individuale che fosse indipendente dalle influenze occidentali. Queste idee furono raccolte da un celebre artista di Hlebine – Krsto Hegedušić e nel 1930 fondò la Hlebine School of Art alla ricerca di una “espressione artistica rurale” nazionale.

Ivan Generalić è stato il primo maestro della Scuola Hlebine e il primo a sviluppare uno stile personale distintivo, raggiungendo uno standard elevato nella sua arte.

Dopo la seconda guerra mondiale, la generazione successiva di pittori hlebine tendeva a concentrarsi maggiormente sulle raffigurazioni stilizzate della vita di campagna prese dall’immaginazione. Generalić ha continuato ad essere la figura dominante e ha incoraggiato gli artisti più giovani, tra cui suo figlio Josip Generalić.

La scuola Hlebine divenne un fenomeno mondiale con la Biennale di Venezia del 1952 e le mostre in Brasile e Bruxelles.