Arte romanica

L’arte romanica si sviluppa nell’Europa (geografica più che politica ovviamente) dal 1000 dC circa fino all’ascesa dello stile gotico nel 12° secolo, o più tardi, a seconda della regione. Il periodo precedente è noto come periodo preromanico.

Il termine fu inventato dagli storici dell’arte del 19° secolo, in particolare per l’ architettura romanica, che conservò molte caratteristiche fondamentali dello stile architettonico romano in particolare per gli archi a tutto sesto, ma anche volte a botte, absidi e decorazione ma aveva anche sviluppato molte caratteristiche molto diverse tra loro. Nel sud della Francia, in Spagna e in Italia c’era una continuità architettonica con il tardo antico, ma lo stile romanico fu il primo stile a diffondersi in tutta l’Europa, dalla Sicilia alla Scandinavia. L’arte romanica fu anche fortemente influenzata dall’arte bizantina, specialmente nella pittura, e dall’energia anti-classica. Da questi elementi è stato forgiato uno stile altamente innovativo e coerente.

L’arte romanica è il risultato della grande espansione del monachesimo nel X e XI secolo, quando l’Europa riacquistò per la prima volta una misura di stabilità politica dopo la caduta dell’impero romano. Diversi grandi ordini monastici, in particolare il cistercense, il cluniacense e il certosino, sorsero in questo periodo e si espansero rapidamente, creando chiese in tutta l’Europa occidentale. Le loro chiese dovevano essere più grandi di quelle precedenti per accogliere un numero maggiore di preti e monaci e consentire l’accesso ai pellegrini che desideravano vedere le reliquie dei santi conservate.

Caratteristiche dell’arte e architettura romanica

L’architettura romanica è stata caratterizzata da uno stile vigoroso sia nella scultura che nella pittura. Quest’ultima continuò a seguire essenzialmente modelli iconografici bizantini per i soggetti più comuni nelle chiese, che si ripetevano molto spesso come il Cristo in Maestà, il Giudizio Universale e scene della Vita di Cristo. Nei manoscritti miniati si vede una maggiore originalità, poiché è necessario raffigurare nuove scene. I manoscritti più generosamente decorati di questo periodo erano le bibbie. La stessa originalità è applicata ai capitelli delle colonne: spesso intagliati con scene complete con diverse figure. Il grande crocifisso in legno fu una novità tedesca all’inizio del periodo, così come le statue autoportanti della Madonna in trono. L’altorilievo era la modalità scultorea dominante del periodo.

I colori erano sorprendenti e principalmente primari. Oramai questi colori possono essere visti nella loro luminosità originale solo nel vetro colorato e in alcuni manoscritti ben conservati. Le vetrate sono state ampiamente utilizzate, anche se quelle sopravvissute sono purtroppo poche. I timpani di importanti portali ecclesiastici erano scolpiti con schemi monumentali, spesso Cristo in Maestà o il Giudizio Universale, ma trattati con più libertà rispetto alle versioni dipinte, poiché non esistevano modelli bizantini equivalenti.

Le composizioni di solito avevano poca profondità e dovevano essere flessibili per essere schiacciate nei capitelli delle colonne e nei timpani della chiesa. Gli elementi spesso variavano in termini di dimensioni in relazione alla loro importanza. Gli sfondi del paesaggio, se mai tentati, erano più vicini alle decorazioni astratte che al realismo, come negli alberi della “Morgan Leaf”.

L’ambiente dell’arte romanica

Durante questo periodo l’Europa divenne molto più prospera, e l’arte della più alta qualità non fu più confinata, come era in gran parte nei periodi carolingio e ottoniano, alla corte reale e una piccola cerchia di monasteri. I monasteri continuarono ad essere estremamente importanti, specialmente quelli dei nuovi ordini del periodo, i cistercensi , i cluniacensi e i certosini, che si diffusero in tutta Europa. Ma le chiese cittadine, quelle sulle rotte di pellegrinaggio e molte chiese nelle piccole città e villaggi erano decorate in modo elaborato secondo uno standard molto alto. Nessun palazzo reale romanico è davvero sopravvissuto integro com’era.

L’artista laico stava diventando una figura stimata, Nicola de Verdun sembra fosse conosciuto in tutto il continente. La maggior parte degli scultori e degli orafi erano notissimi e pittori laici come il Maestro Hugo erano eccelsi nel loro lavoro che gli veniva riconosciuto da tutti.

La scultura. Lavorazione dei metalli, smalti e avorio

Gli oggetti preziosi avevano uno status sociale molto alto nel periodo romanico, probabilmente molto più dei dipinti: i nomi dei creatori di questi oggetti sono noti al pari di quelli dei pittori o architetti contemporanei. La lavorazione dei metalli, compresa la decorazione in smalto, divenne molto sofisticata. Sono rimasti intatti molti santuari spettacolari fatti per contenere reliquie, di cui il più noto è il Santuario dei Tre Re nella Cattedrale di Colonia di Nicholas da Verdun e altri (1180-1225 circa). Il trittico Stavelot e il reliquiario di San Mauro sono altri esempi di smalti Mosani. Grandi reliquiari e pale d’altare erano costruiti con una cornice di legno, ma i cofani più piccoli erano tutti in metallo e smalto. Alcuni pezzi secolari, come specchi, gioielli e fermagli sono rimasti praticamente identici, ma questi senza dubbio erano solo per i ricchi e di proprietà della nobiltà.

Il candelabro di bronzo Gloucester e la fonte battesimale di San Bartolomeo del 1108-1117 a Liegi sono esempi superbi, molto diversi nello stile, della fusione dei metalli. Il primo è altamente intricato ed energico, attinge alla pittura di manoscritti, mentre la fonte mostra l’arte Mosana nella sua forma più classica e maestosa. Le porte di bronzo, una colonna trionfale e altri accessori alla cattedrale di Hildesheim, le porte di Gniezno e le porte della Basilica di San Zeno a Verona sono altre testimonianze sostanziali. L’aquamanile, un contenitore per l’acqua con cui lavarsi, sembra essere stato introdotto in Europa nell’undicesimo secolo. Gli artigiani davano spesso ai pezzi fantastiche forme zoomorfe; gli esempi ancora presenti sono per lo più in ottone. Molte impronte di cera davvero impressionanti sopravvivono su carte e documenti.

La croce dei chiostri è un crocifisso in avorio insolitamente grande, con una complessa scultura che include molte figure di profeti e altri, che è stato attribuito a uno dei pochi artisti il ​​cui nome è conosciuto, il Maestro Hugo, che ha anche illustrato manoscritti. Come molti pezzi di allora originariamente era in parte colorato. Gli scacchi di Lewis sono esempi ben conservati di piccoli avori, di cui rimangono molti frammenti o frammenti di pastori, placche, croci pettorali e oggetti simili.

Scultura architettonica

Con la caduta dell’Impero Romano d’Occidente, la tradizione di intagliare grandi opere in pietra e scolpire figure in bronzo si estinse, come effettivamente fece (per ragioni religiose) nel mondo bizantino (romano orientale). Una scultura a grandezza naturale veniva realizzata in stucco o gesso, ma gli esempi sono comprensibilmente rari. La più grande opera scultorea superstite dell’Europa proto-romanica è il Crocifisso ligneo a grandezza naturale commissionato dall’arcivescovo Gero di Colonia intorno al 960-965, apparentemente il prototipo di quella che divenne poi una forma popolare. Durante l’undicesimo e il dodicesimo secolo, la scultura figurativa è fortemente rinata e i rilievi architettonici sono un segno distintivo del periodo romanico successivo.

La scultura figurativa si basava su due altre fonti in particolare, l’illustrazione dei manoscritti e la scultura e miniatura in avorio e metallo. I fregi scolpiti nelle chiese armene e siriane sono un’altra probabile influenza architettonica. Queste fonti hanno prodotto insieme uno stile distinto che può essere riconosciuto in tutta Europa, sebbene i progetti scultorei più spettacolari siano concentrati nella Francia sudoccidentale, nella Spagna settentrionale e in Italia.

Le immagini nella lavorazione dei metalli sono state spesso in rilievo. La superficie risultante aveva due piani principali e dettagli che erano solitamente incisi. Questo metodo è stato adattato alla scultura in pietra ed è evidente in particolare nel timpano sopra alcuni portali, dove il Cristo in Maestà con i simboli dei quattro Evangelisti è tratto direttamente dalle copertine dorate dei libri del Vangelo medievale. Questo stile di porta si vedrà poi in molti altri luoghi e continua nel periodo gotico. Una rara prova di questo stile è presente in Inghilterra ed è quella della “Porta del priore” nella cattedrale di Ely. Nel sud-ovest della Francia, molti esempi sono a Saint-Pierre, Moissac, Souillac, e La Madeleine, Vézelay con vaste altre sculture che rimangono nei chiostri e in altri edifici. Nelle vicinanze, la cattedrale di Autun ha un Giudizio Universale di grande rarità in quanto è stato firmato in modo univoco dal suo creatore, Giselbertus.

Uno dei motivi più significativi dello stile romanico, che si vede sia nella scultura figurativa che in quella non figurativa, è la spirale. Delle fonti potrebbero essere le capitali ioniche. Si possono vedere nel mosaico sulle volte della chiesa di Santa Costanza, a Roma, del IV secolo. Manoscritti e sculture architettoniche del 12 ° secolo hanno motivi a spirale molto simili.

La maggior parte della scultura romanica e pittorica è di origine biblica. Una grande varietà di temi si trova nelle capitali e include scene della Creazione e della Caduta dell’Uomo, episodi della vita di Cristo e scene del Vecchio Testamento che prefigurano la sua morte e risurrezione, come Giona e la Balena. Molte le scene della Natività, il tema dei Tre Re è particolarmente popolare. I chiostri dell’abbazia di Santo Domingo de Silos, nel nord della Spagna, e Moissac sono esempi eccellenti, come lo sono le sculture in rilievo sui font Tournai che si trovano nelle chiese dell’Inghilterra meridionale, della Francia e del Belgio.

Spesso la scultura è tragica nella forma e nella materia. Queste opere si trovano su capitelli, mensole e sporgenze, o intrecciate nel fogliame sulle modanature delle porte. Rappresentano forme che non sono facilmente riconoscibili oggi. Motivi comuni includono Sheela na Gig , temibili demoni, o draghi e molte altre creature mitiche con un significato oscuro. Spirali e motivi accoppiati in origine avevano un significato speciale nella tradizione orale che è andata persa.

Scultura tardo romanica

L’architettura gotica viene generalmente evidenziata come nel progetto del coro dell’Abbazia di Saint-Denis, a nord di Parigi, dall’Abate Suger, consacrata nel 1144. L’inizio della scultura gotica è di solito datato un po’ più tardi, con l’intaglio delle figure attorno al Portale Reale nella Cattedrale di Chartres, Francia, 1150-1155. Lo stile della scultura si diffuse rapidamente da Chartres, superando la nuova architettura gotica. Lo stile scultoreo basato più sull’osservazione e sul naturalismo che sul design formale si sviluppò rapidamente. Si ritiene che una ragione per il rapido sviluppo della forma naturalistica sia stata una crescente consapevolezza dei resti classici e una deliberata imitazione del loro stile. La conseguenza è che ci sono porte che sono di forma romanica, e tuttavia mostrano un naturalismo associato alla scultura del primo gotico.

Uno di questi è il Pòrtico da Gloria del 1180, a Santiago de Compostela. Questo portale è interno ed è particolarmente ben conservato, ha mantenuto il colore sulle figure e l’aspetto sgargiante di molta decorazione architettonica che ora è percepita come monocromatica. Intorno alla porta ci sono figure che sono integrate con le colonnette che sono le modanature delle porte. Sono tridimensionali, ma leggermente appiattiti. Sono altamente individualizzati, non solo in apparenza ma anche nell’espressione e hanno una rassomiglianza abbastanza forte con quelli intorno al portico nord dell’Abbazia di St. Denis, risalente al 1170. Sotto il timpano vi è una fila di figure realisticamente scolpite che giocano una gamma di strumenti musicali diversi e facilmente identificabili.

L’illustrazione dei manoscritti

Un certo numero di scuole regionali confluirono nella tecnica del manoscritto miniato del primo romanico: Inghilterra e Francia settentrionale furono pesantemente influenzate dalla tarda arte anglosassone, mentre nel sud della Francia lo stile dipendeva maggiormente dall’influenza iberica, e in Germania e Paesi Bassi, gli stili ottoniani continuarono a svilupparsi, e anche, agli stili bizantini, che influenzarono l’Italia. Durante il 12° secolo vi erano state influenze reciproche tra tutti questi fattori.

I tipici elementi dell’arte romanica erano la Bibbia, dove ogni libro poteva essere preceduto da una grande iniziale storiografia, e il Salterio, dove le iniziali principali erano similmente illustrate. In entrambi i casi esempi più sontuosi potrebbero avere cicli di scene in pagine completamente illustrate, a volte con più scene per pagina. Le Bibbie in particolare spesso potevano essere pubblicate in più di un volume. Gli esempi includono il salterio di St. Albans, il salterio di Hunterian, la Bibbia di Winchester, la Bibbia di Fécamp, la Bibbia di Stavelot e la Bibbia dell’Abbazia di Parc. Alla fine del periodo i laboratori commerciali di artisti e scribi stavano diventando importanti, e l’illustrazione e i libri in generale diventarono più ampiamente disponibili sia per i laici che per il clero.

La pittura murale

Le grandi superfici murarie e le semplici volte curve del periodo romanico si prestavano alla decorazione murale. Sfortunatamente, molti di questi primi dipinti murali sono stati distrutti dall’umidità o le pareti sono state rimpiazzate e dipinte. In Inghilterra, in Francia e nei Paesi Bassi queste immagini furono sistematicamente distrutte o imbiancate nei periodi di iconoclastia della Riforma. In Danimarca e altrove molti sono stati restaurati. In Catalogna (Spagna), c’è stata una campagna per salvare tali murales all’inizio del XX secolo (dal 1907) rimuovendoli e trasferendoli protetti a Barcellona, ottenendo la spettacolare collezione al National Art Museum of Catalonia. In altri paesi hanno sofferto di guerre, negligenza e cambiamento della moda artistica.

Uno schema classico per l’intera decorazione di una chiesa, derivata da precedenti esempi spesso in mosaico, aveva, come punto focale la semi-cupola dell’abside, Cristo in Maestà o Cristo Redentore in trono all’interno di una ellisse e incorniciata da quattro animali alati, simboli dei quattro Evangelisti, con esempi tratti dalle copertine dorate o dalle illustrazioni dei libri evangelici del periodo. Se la Vergine Maria era la devozione della chiesa, allora sostituiva Cristo. Sulle pareti dell’abside sottostante c’erano santi e apostoli, forse comprendenti scene narrative, ad esempio del santo a cui la chiesa era dedicata. Sull’arco del santuario c’erano figure di apostoli, profeti o ventiquattro “anziani dell’Apocalisse “, che guardavano verso un busto di Cristo, o il suo simbolo dell’Agnello, in cima all’arco. Il muro nord della navata conteneva scene narrative dell’Antico Testamento e il muro sud del Nuovo Testamento. Sulla parete posteriore a ovest un giudizio universale, con un Cristo in trono.

I dipinti di Arlanza nella Provincia di Burgos, in Spagna, sebbene provenienti da un monastero, sono di argomento laico, mostrando enormi e vigorose creature mitiche sopra un fregio in bianco e nero con altre creature. Danno un’idea rara di ciò che avrebbe decorato i palazzi romanici.

Le vetrate

I frammenti più antichi di vetrate pittoriche medievali sembrano risalire al X secolo. Le prime figure intatte sono cinque finestre profetiche ad Augusta, risalenti alla fine dell’XI secolo. Le figure, sebbene rigide e formalizzate, dimostrano una notevole competenza nel design, sia pittoricamente che nell’uso funzionale del vetro, a indicare che il loro creatore era molto esperto nella lavorazione. A Le Mans, Canterbury e Chartres Cathedrals, e Saint-Denis, sono visibili numerosi pannelli del XII secolo. A Canterbury questi includono una figura di Adamo che scava e un altro di suo figlio Seth con una serie di Antenati di Cristo. Adamo rappresenta una parvenza altamente naturalistica e vivace, mentre nella figura di Seth, le tuniche sono state utilizzate per un grande effetto decorativo, simile alla migliore scultura in pietra del periodo. Gli artigiani del vetro erano più lenti degli architetti a cambiare stile, e molti vetri della prima parte del XIII secolo possono essere considerati essenzialmente romanici. Particolarmente belle sono le grandi figure del 1200 della Cattedrale di Strasburgo (alcune ora rimosse dal museo) e del 1220 circa dalla chiesa di San Kunibert a Colonia.

La maggior parte delle magnifiche vetrate francesi, incluse le famose finestre di Chartres, risalgono al 13° secolo. La Crocifissione di Poitiers, è una composizione notevole che si sviluppa attraverso tre fasi, la più bassa con un quadrilatero raffigurante il Martirio di San Pietro, il più grande stadio centrale dominato dalla crocifissione e il palcoscenico superiore che mostra l’Ascensione di Cristo. La figura del Cristo crocifisso sta già mostrando la curva gotica. La finestra è descritta da George Seddon come di “bellezza indimenticabile”. Molti frammenti staccati sono nei musei, e una finestra alla Twycross Church in Inghilterra è composta da importanti pannelli francesi salvati dalla Rivoluzione francese. Il vetro era sia costoso che abbastanza flessibile (in quanto poteva essere aggiunto o riorganizzato) e sembra essere stato spesso riutilizzato quando le chiese furono ricostruite in stile gotico – il primo vetro inglese databile, un pannello in York Minster da un albero di Jesse probabilmente precedente al 1154, è stata riciclata in questo modo.