Cos’è il cubismo. Georges Braque e Pablo Picasso e la nuova arte

Nel 1907, un dipinto segnò il preludio a un cambiamento nella pittura: Les Demoiselles d’Avignon. Quando Pablo Picasso espose per la prima volta questa scena del bordello con cinque figure femminili, anche il collezionista Sergei Shchukin e il suo amico Georges Braque considerarono il dipinto “una perdita per la pittura francese”. Tuttavia, il significato di questa nuova visione della realtà non è stato perso su Braque.

Les Demoiselle d’Avignon

In questo lavoro, Picasso ha realizzato per la prima volta un obiettivo chiaro e razionale senza allusioni estetiche. Prendendo ulteriormente l’analisi della forma di Cézanne, Picasso frammentò le forme in piccoli cubi. Era compito dello spettatore, di fronte alla tela, mettere insieme questo puzzle di varie vedute spaziali. Inoltre, i colori tenui segnalavano un’altra nuova direzione per la pittura. Tuttavia, la maggior parte della novità risiede nell’indipendenza del dipinto dalle precondizioni date dalla natura. Questa fu la risposta dell’artista alle mutate precondizioni della scienza riguardo allo spazio e al tempo, usando la richiesta di Cézanne che in natura si dovrebbe cercare la sfera, il cono e il cilindro come base per le sue idee compositive. Al Salon des In- dépendants del 1909, il critico Louis de Vauxcelles parlava di cubi e nacque il cubismo.

Il cubismo. I passi verso il successo

Il movimento ha subito molti passi evolutivi. Gli amici Georges Braque e Pablo Picasso hanno detto più tardi: “Non avevamo intenzione di creare il cubismo. Inoltre, volevamo solo esprimere ciò che ci ha commosso. … Sembrava quasi che fossimo due alpinisti appesi a una corda unica.” Tra il 1909 e il 1912, separarono la loro arte da tutto ciò che era reale senza trasformarsi completamente in astrazione, in una fase chiamata Cubismo analitico.

In particolare, gli artisti ora dipingevano figure e nature morte. Non hanno più dipinto un oggetto visto da una prospettiva, ma piuttosto viste stratificate da molti angoli per catturare il soggetto da tutti i lati. Hanno analizzato l’oggetto e lo hanno portato sulla tela come un’immagine frammentata. Forma e spazio si fondevano l’un l’altro in una composizione di superfici intessute, intersecate e sezionate. Invece di creare volume, i pittori si concentravano sulle sfaccettature e sulla costruzione di superfici. La situazione catturata nel dipinto divenne molto più indefinita. Alcune superfici sono diventate trasparenti, senza peso o improvvisamente trasformate in un libro o uno strumento, qualcosa di riconoscibile. Per quanto riguarda i colori, i dipinti erano dominati da tonalità marroni, grigie e blu.

Inoltre, gli artisti non dipingono più all’aria aperta, ma piuttosto nei loro studi, dove l’arsenale per i loro soggetti era già a portata di mano.
Più tardi, non hanno più organizzato le loro nature morte in modo che potessero dipingere dalla realtà; piuttosto, li hanno creati fuori dall’immaginazione, aggiungendo numeri e frammenti di parole alle composizioni. La visione artistica di Braque e Picasso li ha portati al Cubismo sintetico, un movimento in cui sono stati raggiunti da Juan Gris. Ora, non si trattava più di smontare gli oggetti; ora gli artisti hanno iniziato a creare nuovi oggetti con nuovi materiali. Sono state riconosciute nuove qualità per le opere d’arte, usando i materiali più svariati, persino gli oggetti che si pensava fossero buttati via. Durante questo periodo, il collage divenne una forma di pittura.

Picasso, Braque e l’immagine “popolare”

Georges Braque e Pablo Picasso hanno inventato un nuovo tipo di pittura, esprimendo la vita quotidiana sotto forma di materiali reali. Per questo, hanno usato tessuti, tessuti in cera, ritagli di carta da parati e brandelli di giornali, usando questi oggetti per creare belle arti. Questa è stata la nascita dei loro cosiddetti papiers collés. L’interesse di Picasso nel materiale tattile e in materiali insoliti ha trovato la sua prima realizzazione visiva nel maggio del 1912 con il suo pezzo intitolato Still Life with Chair Caning. Questo dipinto mostra l’uso di materiali comuni da parte di Picasso in modo non ortodosso. Il motivo stampato sul panno di cera trasmetteva l’illusione del rivestimento della sedia. La carta incollata sembra essere qualcos’altro rispetto a ciò che è veramente, mentre la corda che la incornicia è un oggetto tangibile.

Still Life with Chair Caning

Poco dopo, Braque ha trovato un rotolo di carta da parati con un motivo di quercia, che poi ha tagliato a pezzi e li ha integrati in un disegno. Questi sforzi alla fine hanno portato alla sovrapposizione di trame di superficie pura e alla formazione di un’opera d’arte coerente. Braque e Picasso consideravano il loro studio un luogo completamente dedicato all’artigianato. Usando materiali di uso quotidiano, hanno sperimentato l’estensione dell’arte nel regno dell’ordinario. Nel 1912 e 1913, hanno scelto la carta come loro principale medicina. Per sviluppare la loro idea di “iconografia popolare”, hanno usato cartone, carta con molte sfumature e motivi, sabbia, pettini, segatura, trucioli metallici, vernice ripolin, stencil in lamiera, lame di rasoio e strumenti artigianali.

Apollinaire e André Salmon paragonarono gli sforzi di Braque e Picasso con quelli del poeta François de Malherbe; i pittori cercavano una semplicità facilmente comprensibile, proprio come il poeta aveva studiato il gergo parlato dai lavoratori portuali per arricchire la propria lingua. I papiers collés erano preceduti da sculture di carta, prima da Braque e poi da Picasso. Già nel 1911, Braque aveva creato la sua prima scultura su carta. Picasso, quando osservava l’impalcatura di costruzione di queste prime sculture di carta di Braque, ricordava il biplano dei fratelli Wright. Di tutti gli artisti del 20 ° secolo, Pablo Picasso era un vero genio. Come nessun altro artista, ha apportato contributi e innovazioni importanti a quasi tutti i movimenti artistici del XX secolo. Viaggiò verso coste inesplorate nel mare del mondo dell’arte e produsse ripetutamente nuovi capolavori sorprendenti.